- Mikä on teatterin alkuperä ja historia?
- Teatterin kreikkalainen alkuperä
- Ei-länsimaisen teatterin alkuperä
- Liturginen draama ja keskiaikainen teatteri
- Japanilaisen teatterin kukinta
- Renessanssiteatteri ja commedia dell'arte
- Sisäänkäynti nykyaikaisuuteen
- 1900-luku ja nykyaika
Selitämme teatterin syntyä ja historiaa eri puolilla maailmaa muinaisista ajoista nykypäivään.
Mikä on teatterin alkuperä ja historia?
The teatteri, taiteellinen tyylilaji, jossa kirjallisuus (dramaturgiaa) ja esittävät taiteet (teatteriesitys), on yksi historian vanhimmista taiteellisen ilmaisun muodoista. ihmiskunta.
Vaikka sen alkuperä yleensä juontaa juurensa Antiikki lännen klassikko, totuus on, että melkein kaikki muinaiset kulttuurit heillä oli jonkinlainen teatteri tai hyvin samanlainen spektaakkeli, jolla he kouluttivat nuoriaan, rukoilivat heidän jumalat tai muistanut heidän myyttejä perustavanlaatuinen.
Kuitenkin ensimmäiset, jotka ymmärsivät teatterin taidemuotona sinänsä eli "draamataiteena", olivat antiikin kreikkalaiset 6.-4. vuosisadalla eKr. c.
Muinaiset kreikkalaiset juhlivat tiettyjä rituaaleja uskonnollinen viinin ja hedelmällisyyden jumalan Dionysoksen kunniaksi, joka tunnetaan nimellä bacchanalia. Näissä riittejä the tanssi ja transsitilat olivat normaaleja, mutta myös tietty kerronta ja lavastus perustamismyytistä, ja jälkimmäinen synnytti teatterin.
Teatterin kreikkalainen alkuperä
Se syntyi 6. vuosisadalla eKr. C. kiitos Dionysoksen papille nimeltä Thespis, joka toi tärkeän muutoksen rituaaleihin: a dialogia joita hän piti kuoron kanssa jokaisen festivaalin aikana.
Siten Thespisestä tuli ensimmäinen näyttelijä. Itse asiassa III vuosisadan kronikkojen mukaan a. C. Thespis itse voitti ensimmäisen teatterikilpailun Kreikassa, joka pidettiin Ateenassa vuonna 534 eaa. c.
Siitä lähtien Dionysoksen kunniaksi järjestettävillä festivaaleilla yleistyivät teatterikilpailut, jotka kestivät neljä kokonaista päivää ja joissa käytettiin väliseiniä puurakenteita orkesterille, yleisölle ja näyttämölle Dionysoksen patsaan ympärillä.
Koko 5. ja 4. vuosisadalla eKr. C. kreikkalainen teatteri kukoisti ja tuli itsenäiseksi palvonta uskonnollinen. Se oli kuitenkin edelleen kreikkalaisen yhteiskunnan mekanismi nuorten kouluttamiseksi uskonto, mytologia ja klassisia kansalaisarvoja.
Tuolloin nousi esiin kolme suurta kreikkalaista näytelmäkirjailijaa: Aischylos (525-456 eKr.), Sofokles (496-406 eKr.) ja Euripides (484-406 eKr.), jotka ovat kirjoittaneet laajan sarjan traagisia näytelmiä, jotka käsittelivät suuria kreikkalaisia myyttejä. Heidän mukanaan lisääntyivät suuret kreikkalaiset koomikot, kuten Aristophanes (444-385 eKr.).
Teatteri oli niin tärkeä kreikkalaisessa kulttuurissa, että filosofi Aristoteles (384-322 eKr.) inspiroi heitä kirjoittamaan ihmiskunnan historian ensimmäisen dramaattista taidetta käsittelevän tutkielman: Poetiikkaa vuodesta 335 eaa c.
Samalla tavalla se oli niin tärkeä sen ajan Välimeren alueelle, että roomalainen kulttuuri otti sen mallina ja inspiraationa oman teatterinsa kehittämiseen 2. ja 3. vuosisadalla eKr.. C. Näin syntyivät sellaiset kirjailijat kuin Plautus (254-184 eaa.) ja Terence (185-159 eaa.), joiden pelaa ne olivat osa paljon suurempaa tapahtumaa roomalaisessa kulttuurissa: roomalaisia pelejä jumalien kunniaksi.
Roomalaiset sisällyttivät myös kreikkalaisen dramaturgisen perinnön kulttuuriinsa ja säilyttivät sen latinaksi paljon myöhemmille lukijoille.
Ei-länsimaisen teatterin alkuperä
Muinaisina aikoina oli myös rikkaat teatteriperinteet maailman itäosassa, erityisesti Intian muinaisessa kulttuurissa. Intian teatteri kasvoi uskonnollisista ja seremoniallisista tansseista.
Tämä teatteri sai muodollisen tutkimuksen noin 4. ja 2. vuosisadalla eKr.C., päätellen siitä, mitä Natia-shastra, muinainen hindulainen tutkielma tanssista, laulusta ja draamasta, joka johtuu musiikkitieteilijä Bharata Munista (päivämäärät epävarmat). Tämä työ tutkii erityisesti intialaista klassista teatteria, sanskritin kirjallisuuden huippua.
Tällaisessa draama sankarina esiintyi hyvin stereotyyppisiä hahmoja (nayaka), sankaritar (nayika) tai klovni (vidusaka), keskellä mytologisia ja uskonnollisia tarinoita jumalien alkuperästä. Esitys koostui enemmän kuin mikään muu näyttelijöiden tanssista ja dialogista pukeutuneena ja meikattuina, mutta ilman lavaa tai koristeita.
Intialaista teatteria harjoitettiin pitkään lähes keskeytyksettä tai muutoksitta, ja se saavutti huippunsa 3. ja 5. vuosisatojen välillä jKr. Kaksi tämän perinteen suurta dramatisoijaa olivat Sudraka (3. vuosisadalla jKr.) ja Kalidasa (4.-5. vuosisadalla jKr.), jälkimmäinen suurten rakkausnäytelmien kirjoittaja.
Toinen tärkeä ei-länsimainen perinne, Kiinan teatteri, syntyi noin 6. vuosisadalla eKr. C. Se koostui enimmäkseen tansseista, akrobatiasta, miimistä ja rituaaleista ilman määriteltyä genreä.
Näyttelijät, kaikki miehiä, voisivat esittää erilaisia stereotyyppisiä rooleja, olivatpa ne miespuolisia (sheng), naisellinen (niin), sarjakuvat (chou) tai sotureita (ching). Monissa tapauksissa käytettiin naamioita ja meikkiä.
Kiinalainen perinne inspiroi samanlaisia versioita Japanissa ja muissa Kaakkois-Aasian valtioissa, jotka kukoistivat myöhempinä vuosisatoina ja jotka tunnettiin lännessä vasta melkein 1800-luvulla.
Liturginen draama ja keskiaikainen teatteri
syksyn jälkeen Rooman imperiumi, lännen teatteri menetti vanhan kansan ja uskonnollisen merkityksensä: tämä johtuu siitä kristinusko hylkäsi perinnön pakanallinen / Euroopassa ja hän teki kaikkensa erottaakseen itsensä ja etääntyäkseen tuosta perinteestä. Kuitenkin 10. vuosisadalla kristillinen liturgia ja pääsiäisen viettäminen olivat keskeisiä tapahtumia kristillisessä kulttuurissa, ja ne suoritettiin suurella loistolla ja maisemilla.
Siten vuonna Keskiaika syntyi liturginen teatteri, joka toisti kristillisen mytologian tärkeimmät kohtaukset, kuten Maria Magdaleenan vierailun Jeesuksen Kristuksen haudalle. Tästä syntyi myöhemmän kristillisen dramaturgian rikas perinne.
Noin 1100- ja 1200-luvuilla monet ranskalaiset luostarit alkoivat esittää raamatullisia tarinoita temppelin ulkopuolella olevalle tasanteelle ja hylättiin myös latinalainen kultti käyttääkseen kansankieliä lähempänä ihmisiä. Genesiksen tai Apokalypsin lavastus tai pyhien, kuten Pyhän Apollonian tai Pyhän Dorothean, kidutettu elämä oli yleistä.
Kun nämä teatteriesitykset monimutkaistuivat, niitä alettiin esittää kelluvilla tai siirrettävillä näyttämöillä, jotta liturgia ja kirkollinen tarina kuljetettiin maan eri kolkoihin. Tämä oli erityisen suosittu Espanjassa, ja ne tulivat tunnetuksi nimellä Sakramenttiautot, eli eukaristian näytelmiä.
Vastaavia tapahtumia järjestettiin tuolloin Englannissa, erityisesti vuoden aikana corpus Christi, ja niistä tuli suosittuja teatterimuotoja, jotka olivat yleisiä kaikkialla Euroopassa 1500-luvulle asti.
Siitä lähtien hänen tärkeimmät vastustajat nousivat esiin: protestanttiset puritaanit, jotka tuomitsivat hänen esityksissään vallitsevan huumorin ja rohkeuden, ja humanistit Renessanssi, joka näki huonoin silmiin kevytmielisyys ja sen yhteys tiettyyn keskiaikaiseen perinteeseen, josta he yrittivät irtautua.
Tämän seurauksena monet näistä teoksista kiellettiin Pariisissa ja protestanttisen Euroopan maissa, kun taas ne kukoistivat vastareformaatio-Euroopassa, pääasiassa Espanjassa. suuria kirjoittajia barokki Espanjalaisia, kuten Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) ja Calderón de la Barca (1600-1681), pidetään sakramentaalisen teon suurimpina kirjoittajina.
Japanilaisen teatterin kukinta
Samaan aikaan 1300-luvun Japanissa esiintymiskulttuuri kiteytyi. Šintotanssien ja buddhalaisten rituaalien perijä, sekä omia että Kiinasta ja muista Aasian maista kopioituja, japanilainen teatteri otti tärkeimmät askeleensa.
Siitä lähtien kolme suurta suuntausta ottivat ensimmäiset askeleensa:
- Noh- ja kyogen-teatterin hienostunut lyyrinen draama.
- Bunrakun kirjallinen nukketeatteri.
- Myöhemmin kabuki-teatteri, porvariston dramaattinen spektaakkeli.
Noh-teatteri syntyi Kiotossa noin vuonna 1374 shogun Yoshimitsun johdolla, ja se aloitti tärkeän japanilaisten feodaaliherrojen teatterinsuojelun perinteen.
Suurin osa tämän tyylisistä teoksista, joita miesnäyttelijät esittivät äärettömällä suopeasti ja hienostuneesti pienen kuoron säestyksellä, on seuraavina vuosikymmeninä kirjoittanut Kanami Motokiyo, hänen poikansa Zeami Motokiyo ja myöhemmin tämän vävy, Zenchiku. Noh-teatteriin on kirjoitettu muutamia uusia näytelmiä 1400-luvun jälkeen.
Ehkä tästä syystä, 1500-luvulla, japanilainen teatteripanoraama esitti tietyn laskun. Tähän on lisättävä vuoden 1629 kielto kaikkien naisten pääosissa esiintyville teatteriesityksille, kun shintopappitar O-Kunin esitykset nostivat yleisön kohun Kiotossa.
Tästä syystä 1600-luvun alussa syntyi uusi japanilainen teatteri täyttämään tyhjiön, joka heijastaa ajan uusia porvarillisia tunteita: Kabuki, menestynyt kahvilateatteri, joka käytti ylellisiä puitteita ja hienostuneita pukuja ja jonka teoksia he tekivät. tuli kirjallisesta perinteestä ja nukketeatterista.
Renessanssiteatteri ja commedia dell'arte
Kuten monessa muussakin taide ja tieto, renessanssi Eurooppa merkitsi ennen ja jälkeen teatterissa ja dramaturgiassa. Teokset muuttuivat luonnollisemmiksi, riisuivat uskonnollisen velvoitteensa ja pelastivat Aristoteleen teoreettisen perinnön sekä muinaiset myytit ja klassiset symbolit.
Voitto porvaristo kun uusi hallitseva yhteiskuntaluokka määritti muutoksen teatteriherkkyydessä ja pian nähtiin uusien genrejen ja uusien tyylien syntyä, kuten espanjalainen barokkiteatteri ja englantilainen Elizabethan-teatteri, joiden perinteessä esiintyi suuria nimiä, kuten Miguel de Cervantes ja William. Shakespeare.
Uusista teatterin muodoista tärkein oli kuitenkin italialainen Commedia dell'Arte, joka syntyi vuoden 1545 tienoilla katu- ja populaariteatterin muotona, mutta ammattinäyttelijöiden esittämänä. Monet teatteriryhmät olivat kierteleviä, muuttaen kaupungista toiseen ja pystyttäen tilapäisiä näyttämöjä.
Siellä he edustivat kappaleita komedia fyysisiä, teatteri-improvisaatioita ja omia teoksia, joiden hahmoja ne olivat helposti ja nopeasti tunnistettavissa, koska he käyttivät aina samoja naamioita. Esimerkiksi, housut hän oli mahtipontinen ja pahantuulinen vanha mies, jolle vitsejä ja kepposia leikittiin Harlecchino oli vitsaileva ja rohkea palvelija, ja Pulcinelli hän oli röyhkeä, kyyräselkäinen hakkausasiantuntija.
Siitä lähtien uudet teatterinäytelmän muodot alkoivat yleistyä dramaturgiaa yhä enemmän arvostavassa Euroopassa. The tragikomedia tuli suosittu genre, eräänlainen välilinkki komedian ja tragedia. Ooppera syntyi myös 1600-luvulla, ja niin sanottu "italialainen teatterityyli" levisi kaikkialle Eurooppaan.
Tässä samassa yhteydessä ranskalaisella teatterilla oli merkittävä nousukausi, jota ohjasivat maineikkaat näytelmäkirjailijat, kuten Pierre Corneille (1606-1684) ja Jean Racine (1639-1699), suuret tragedioiden kirjoittajat, ja erityisesti Jean-Baptiste Poquelin, parempi. tunnetaan nimellä Molière (1622-1673), näyttelijä ja komedioiden, farssien, tragikomedian ja joidenkin tunnetuimpien ranskankielisten teosten kirjoittaja.
Sisäänkäynti nykyaikaisuuteen
Seuraava suuri muutos länsimaisessa teatteriperinteessä tapahtui Romantiikka Saksan varsinkin Sturm und Drang 1700-luvun jälkipuoliskolla.
Kuten muissakin taiteissa, teatteriromantiikka korosti sentimentaalisuutta ja draamaa vastaan rationalismia, joka syntyi Kuva Ranskan kieli. Hän suosi tummia, salaperäisiä teemoja, erityisesti populaarikulttuurin ja kansanperinteen aiheita.
Sellaisten kirjailijoiden kuin Wolfgang von Goethen (1749-1832) ja Friedrich Schillerin (1759-1805) jättämä perintö ja suuri dramaattinen teos, kuten Faust tai William Tell 1800-luvun alussa, oli inspiraationa uusi genre: melodraama, joka sisälsi musiikkia korostaakseen hahmojen tunteita.
Kädestä nationalismi Eurooppalainen, tämä uusi tyyli tarttui lähes kaikissa maissa ja tuotti tunnettuja teoksia ja kirjailijoita, kuten Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla ja monet muut.
Modernin teatterin perusta, oikein sanottuna, ajoittui kuitenkin pitkälle 1800-luvulle, jolloin syntyi realistinen teatteri, rationalismin voitto romantiikan yli. Realismi korosti naturalistisen teatterin tarvetta: todellisen kaltaisia lavasteita, uskottavia esityksiä ja riisuttua suurenmoisesta puheesta tai eleistä.
Realismi syntyi odotetusti Ranskassa, valistuksen kehdossa.Se saavutti kuitenkin ilmeikkäästi huippunsa pohjoismaisten kirjailijoiden, kuten ruotsalaisen August Strindbergin (1849-1912) ja norjalaisen Henrik Ibsenin (1828-1906) tai jopa tunnetun venäläisen novellikirjailijan Anton Tšehovin (1860- 1904).
1900-luku ja nykyaika
Myrskyisän 1900-luvun saapuminen toi mukanaan etujoukkoja, lakkaamaton lähde innovaatio muodollinen ja esteettinen, joka synnytti monia teatterikouluja Euroopassa ja Amerikassa.
Yleisesti ottaen avantgardistit etsivät hahmoissaan suurempaa intensiivisyyttä ja psykologista syvyyttä, hylkäsivät kolme klassista aristotelilaista yksikköä ja hyväksyivät usein tuomitsemisen ja poliittisen militanssin. Lisäksi heidän ansiostaan teatterinjohtajan rooli nousi näyttelijöihin verrattuna; elokuvaohjaajaan verrattava rooli.
Avantgarde-teatteriliikkeet ovat liian lukuisia luettelemaan niitä kokonaisuudessaan, mutta on syytä huomata ekspressionismi, Bertoldt Brechtin "eeppinen teatteri", absurdin teatteri, joka liittyy filosofiaan eksistentialismi sekä Antonin Artaudin, Eugène Ionescon ja Samuel Beckettin teoksia.
Lisäksi epäsopivuus ja porvarin vastainen tunne Vihaisia nuoria miehiä: Harold Pinter, John Osbourne ja Arnold Wesker. Muita aikakauden suuria nimiä olivat mm. Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Vuodesta 1960 lähtien nykyteatteri on yrittänyt saada uudelleen yhteyttä katsojan tunteisiin siirtymällä pois eeppisestä teatterista ja poliittisista viesteistä. On olemassa lukuisia teatterinäkökohtia, jotka pyrkivät irtautumaan näyttämöltä ja viemään teatterin kadulle tai yhdistämään yleisön näyttämölle tai jopa turvautumaan tapahtuu tai improvisoitua tilanneteatteria tosielämässä.